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吉村宗浩「Love Anyway」


化粧品売り場の女性」 © Munehiro Yoshimura

吉村宗浩「Love Anyway」

会期:2017年3月4日(土)-4月1日(土)
時間:13:00-19:00 (水~土)
休廊:日、月、火
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿西1-33-3 光雲閣110号室
Tel070-6969-1412
トークイベント:「吉村宗浩は誰だ」 
2017年3月4日(土) 17:30- ゲスト:横山裕一
オープニングパーティ:2017年3月4日(土) 19:00-

Fmは3月4日より4月1日まで、吉村宗浩「Love Anyway」を開催します。
吉村宗浩(1961-)は1980年代より地道に作家活動を続けながら、真摯に絵画と向き合ってきた孤高の作家です。
自らの内面と誠実に向かい合いながら描かれる吉村の作品には、私たちの生活に潜む滑稽さや不条理さを映し出しながら、その姿を優しく見守る視線があります。

展覧会初日には、武蔵野美術大学造形学部油絵学科の同級生、横山裕一さんを招いてのトークショー「吉村宗浩は誰だ」を開催します。
 


(左)孤独 (右)市役所懇親会© Munehiro Yoshimura   

(左)避難訓練 (右)休めのポーズをとる少女© Munehiro Yoshimura   

人生は喜劇なり!
人生は悲劇なり!
人生は陳腐なり!
人生、万歳!

(吉村宗浩 ブログより)
 

作家紹介

吉村宗浩/Munehiro Yoshimra
1961年生まれ
兵庫県立神戸商科大学商経学部経済学科卒業
武蔵野美術大学造形学部油絵学科卒業

展覧会歴:
2016 個展「問題神父」(パールブックショップ&ギャラリー・幡ヶ谷)
個展(櫻木画廊・上野桜木)
2015 個展「ある夢想家の冒険旅行」(神戸アートビレッジセンター)
2014 個展「町はずれの幻術」(神戸アートビレッジセンター)
個展(櫻木画廊・上野桜木)
2013 個展「北方の旅行者」(6次元・荻窪)
2012 個展「悲しみの星」(神戸アートビレッジセンター)
2011 三人展「ねじれの異界の覗き穴」(新宿眼科画廊)
2010 ART & PHOT BOOK EXHIBITION(新宿眼科画廊)
1993 二人展(埼玉県立近代美術館)
1991 個展(日比谷画廊・東京)
1990 アートフェスティバル MIT0(水戸芸術館)
1987 二人展(ヴォイスギャラリー・京都)
 
受賞歴:
2016 イラストレーション第33回ザ・チョイス年度賞優秀賞(玄光社)
イラストレーション第197回ザ・チョイス入選(玄光社)
2015 イラストレーション第196回ザ・チョイス入選(玄光社)
2013 BIG MAC AWARD ART CONTEST ファイナリスト受賞(日本マクドナルド)
2012 イラストレーション第29回ザ・チョイス年度賞優秀賞(玄光社)
2011 イラストレーション第179回ザ・チョイス入選(玄光社)
1995 ‘95公募:日本海美術展入選(富山県立近代美術館)
1994 パルコ・アーバナート入選(渋谷パルコ)
1992 第6回FROM A THE.ART公募作品展佳作(原宿スピリホール)
1990 TAMON賞優秀賞(柏市文化フォーラム)
1989 ‘89公募:日本海美術展入選(富山県立近代美術館)
 
その他:
2016 『ウインドアイ』新潮クレスト・ブックス 表紙装丁
2014 劇団ペンギンプルペイルパイルズ#18「靴」宣伝広告
2012 演劇「音のいない世界で」宣伝広告(新国立劇場)
 
 

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Fm 展覧会:吉村宗浩「Love Anyway」@Fm http://galleryfm.com/loveanyway/

寺本愛 個展「Pilgrims」Pilgrims: Ai Teramoto / a Solo Exhibition

© Ai Teramoto   

寺本愛 「Pilgrims」

会期:2016年10月1日(土)-10月23日(日)
オープニングパーティ:2016年10月1日(土) 18:00-20:00
時間:12:00~19:00 (水~日)
休廊:月、火 ただし、10月10日(祝・月)は開廊
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿西1-33-3 光雲閣110号室
Tel070-6969-1412

寺本は2012年に武蔵野美術大学を卒業後、翌年に「1_WALL」グランプリを受賞、2014年に「ザ・チョイス」年度賞大賞を受賞しました。
イラストレーターとして活躍をする一方で、個展「PERMANENT CULTURES」(ガーディアン・ガーデン)、 ニュイ・ブランシュ KYOTO 2015: 「衣服と身体のあいだで/Between Clothing and Body」(ARTZONE)に参加するなど、アーティストとしても活動を続けています。

寺本は自ら創作したファッションに身を包んだ人物を描きます。世界各地の民族衣装やスポーツウェアなどを思わせる衣服および装飾具は、大学で服飾学を学んだ寺本によって創作されたもので、ディフォルメされ、モノクロで描かれたモチーフはそのフォルムと質感を際立たせています。

最近は作家自身が実際に訪れた場所での体験を元に想像上で創り上げる場所・場面に息づく人間の姿をテーマに作品を制作しており、今回の個展では自身が今年四国に行き、お遍路に触れた体験を元に、祈りや願いを胸に秘めて巡礼する人々の姿を描いた新作を展示します。

寺本愛の過去の展覧会はこちら>

作家紹介

寺本 愛 / Ai Teramoto
1990年東京生まれ
武蔵野美術大学空間演出デザイン学科卒業


受賞:
2014 第31回「ザ・チョイス」年度賞大賞
2013 第9回グラフィック「1_WALL」グランプリ
   第186回 「ザ・チョイス」入選(本秀康 選)

主な展覧会:
2014 個展「Our Eyes, The Light Source」/ Fm
   SHOWCASE 2014 / 旧 代官山ラヴェリア アネックス
   個展「スポーツ」 / Lamp harajuku gallery
   個展 「PERMANENT CULTURES」 / ガーディアン・ガーデン
   PRESSROOM Vol.1 / TERMINAL
2013 PORTRAIT / MEGUMI OGITA GALLERY
   個展「MEETING」 / サリー・スコット表参道店
   第9回グラフィック「1_WALL」展 / ガーディアン・ガーデン
   個展「生活」/ 代官山Felt
 
掲載:
2014 「装苑」1月号 / 特集:NEW COMER’S FILE 2014
   「DOTPLACE」/ DOTPLACE GALLERY #002
   マイナビ「+DESIGNING」Vol.36 / デザインガール図鑑
   玄光社「イラストレーション」Vol.202 / 第31回「ザ・チョイス」年度賞大賞
   玄光社「イラストレーションファイル2014」
   翔泳社「ILLUSTRATION 2014」
   「MdN」11月号 / 特集「33組のクリエイター、33の新しさ」
2013 「MdN」3月号 / アーティストファイル No.380
   サリー・スコット「ニクキュー #15」
   玄光社「ファッション・イラストレーション2013 / 特集:期待の新人18人 2014

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Fm 展覧会:寺本 愛 個展「Pilgrims」 @Fm http://galleryfm.com/lightsource/

金燦一 個展「KIM CHAN-IL」KIM CHAN-IL, solo exhibition, “KIM CHAN-IL”

KIM CHAN-IL |Line- Variation |2015 | 112x162cm |Pigment, Acrylic on Canvas © KIM CHAN-IL

金燦一 個展「KIM CHAN-IL」

会期:2016年 7月2日(土)-7月17日(日)
休廊:月曜、火曜
時間:12:00-19:00
オープニングレセプション:2016年 7月2日 19:00-21:00
※アーティストも来日し参加
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿西1-33-3 光雲閣110号室
Tel070-6969-1412

Fmは7月2日(土)より、韓国人作家、金燦一個展「KIM CHAN-IL」を開催します。本展は金にとって日本での初個展になります。

金燦一は1961年韓国生まれ。1990年に弘益大学美術学部絵画科を卒業後、ニューヨーク州立大学美術学部にて学位を取得。モノトーンの画面上に独自の手法で凹凸を施した作品を制作して数多くの展覧会で作品を発表する傍ら、現在は弘益大学美術学部絵画科の教授を務めています。

金が制作する作品は、キャンバスの上に高低がそれぞれ異なる厚紙を付着させ、アクリルと干渉色の顔料と石彩の顔料を数回塗り重ねた後、それを拭き取るなどの過程を経て制作されます。

こうして制作される凹凸のある仄かな色合いの画面は、固定のイメージを鑑賞するための一般的な絵画とは異なり、見る角度や照明、鑑賞者の動きに応じてイメージが刻一刻異なって見える触覚的な絵画となります。

1970年代から1980年代にかけて、韓国では韓国単色画と呼ばれるモノクロームで構成された抽象絵画を制作する作家が現れ、近年それらの作家が改めて世界で高い評価を受けています。

それらの作家に絵画を教わり影響を受けたキムの作品は、李朝の白磁を思い起こさせる色合いは受け継ぎながら、音楽や風、波などを連想させる洗練された静謐さを感じさせます。

© KIM CHAN-IL

作家紹介

金燦一 / KIM CHAN-IL, 1961 Korea

1995 Graduate School of Fine Arts, State Univ. of New York, at New Paltz. Print Making, (M.A.)
1994 Graduate School of Fine Arts, State Univ. of New York, at New Paltz. Painting, (M.F.A.)
1990 Graduate School of Fine Arts, Hong-Ik University, Painting, (M.F.A.)
1986 College of Fine Arts, Hong-Ik University, Painting, (B.F.A.)

Present: A Professor of Fine Art, Hong-Ik University, Korea

RECENT SOLO EXHIBITIONS
2013 Gallery Shin Hwa, HongKong
2012 Gallery White Block, Heiri.
2010 Gallery Mano, Seoul
2008 Gallery Rho, Seoul
2007 Galerie Bhak, Seoul
2006 Gallery Pfo, Busan
2005 Galerie Bhak, Seoul
2002 Galerie Bhak, Seoul
2001 Gallery S.P, Seoul
2000 Garam Gallery, Seoul

RECENT GROUP EXHIBITIONS
2013 Landscape+Nostalgia Gallery Harbour,Hongkong
2013 Re.Now , Gallery Choi,Seoul
2013 Generation, HOma ,Seoul
2012 Art Edition2012 Coex,Seoul
2012 City Garden Posco Gallery, Song Do
2012 Mentor,Mentee Hanwon Art Museum,Seoul
2011 Existence and Change, Donghai University Art Gallery, Taiwan
2011 Seoul Art Association Exhibition,SeMA,Seoul

COLLECTIONS
National Museum of Contemporary Art,
Korea Seoul Museum of Art,
Korea Swiss Embassy at the United Nations Turkey Embassy Argentina Embassy Financial Service,
U.S.A Walker Hill Hotel Samsung Hyundai I-Park Hyundai I Office ASEM Tower,Seoul Scott Squre ,
Singapore Mandarin Oriental Hotel,Taipei Le Meridian Hotel,China

Line | 2015 |100x100cm | acrylic on canvas © KIM CHAN-IL

Line | 2012 |70x150cm | oil on paper © KIM CHAN-IL

Line | 2012 | 50x150cm oil on paper © KIM CHAN-IL

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金燦一 個展「KIM CHAN-IL」@Fm http://galleryfm.com/kim-chan-il/

KIM CHAN-IL |Line- Variation |2015 | 112x162cm |Pigment, Acrylic on Canvas © KIM CHAN-IL

Kim Chan-Il, A Solo Exhibition, “KIM CHAN-IL”

Dates:7/2/2016 – 7/17/2016
Closed on Mon, Tue
Hours:12:00-19:00
Opening reception:7/2/2016 19:00-21:00
Venue:Fm Ebisu-nishi 1-33-3 Kounkaku #110, Shibuyaku, Tokyo
Tel:070-6969-1412

Kim Chan-Il exhibits artwork for the first time in Japan.

Kim was born in 1961 in South Korea. After majoring in painting and graduating from Hongik University’s Department of Visual Arts in 1990, he earned a degree at the Faculty of Fine Arts at the Department of Fine Art at the State University of New York. Creating works of art that employ unique techniques to create uneven textures on a monotone screen, he currently shows in numerous exhibitions while teaching at the Hongik University Department of Visual Arts.

For his art, Kim affixes thick paper of differing textures to a canvas, and applies numerous layers of acrylics, pigments with interference colors, and stone-derived pigments. At last he completes his work with the final process such as wiping.

The uneven texture and subtle palettes of the screens in his artworks differ from typical paintings that showcase fixed images. They are tactile works offering images that shift as viewers move and their perspectives change.

From the 1970s to the 1980s, South Korea’s Dansaekhwa, or “monochrome painting,” movement emerged. In recent years, the artists of this movement have captured a new attention and critical raves around the globe.

Kim was taught and influenced by these artists, and his own art is the successor to their color palettes, recalling Joseon white porcelain. It exudes a refined peacefulness suggesting music, wind, and ocean waves.

© KIM CHAN-IL

Artist Introduction

金燦一 / KIM CHAN-IL, 1961 Korea

1995 Graduate School of Fine Arts, State Univ. of New York, at New Paltz. Print Making, (M.A.)
1994 Graduate School of Fine Arts, State Univ. of New York, at New Paltz. Painting, (M.F.A.)
1990 Graduate School of Fine Arts, Hong-Ik University, Painting, (M.F.A.)
1986 College of Fine Arts, Hong-Ik University, Painting, (B.F.A.)

Present: A Professor of Fine Art, Hong-Ik University, Korea

RECENT SOLO EXHIBITIONS
2013 Gallery Shin Hwa, HongKong
2012 Gallery White Block, Heiri.
2010 Gallery Mano, Seoul
2008 Gallery Rho, Seoul
2007 Galerie Bhak, Seoul
2006 Gallery Pfo, Busan
2005 Galerie Bhak, Seoul
2002 Galerie Bhak, Seoul
2001 Gallery S.P, Seoul
2000 Garam Gallery, Seoul

RECENT GROUP EXHIBITIONS
2013 Landscape+Nostalgia Gallery Harbour,Hongkong
2013 Re.Now , Gallery Choi,Seoul
2013 Generation, HOma ,Seoul
2012 Art Edition2012 Coex,Seoul
2012 City Garden Posco Gallery, Song Do
2012 Mentor,Mentee Hanwon Art Museum,Seoul
2011 Existence and Change, Donghai University Art Gallery, Taiwan
2011 Seoul Art Association Exhibition,SeMA,Seoul

COLLECTIONS
National Museum of Contemporary Art,
Korea Seoul Museum of Art,
Korea Swiss Embassy at the United Nations Turkey Embassy Argentina Embassy Financial Service,
U.S.A Walker Hill Hotel Samsung Hyundai I-Park Hyundai I Office ASEM Tower,Seoul Scott Squre ,
Singapore Mandarin Oriental Hotel,Taipei Le Meridian Hotel,China

Line | 2015 |100x100cm | acrylic on canvas © KIM CHAN-IL

Line | 2012 |70x150cm | oil on paper © KIM CHAN-IL

Line | 2012 | 50x150cm oil on paper © KIM CHAN-IL


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マントル #12

マントル #12

会期:2016年3月5日(土)
時間:17:00~22:00頃まで(※出展作家は14時から搬入、展示)
19:00よりゲストを交えてのトークを開催予定
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿西1-33-3 光雲閣110号室
Tel070-6969-1412

3.5(土)にマントルを開催します。
今回はFmが代官山に移転後初めての開催です。
マントルは、作家の佃弘樹が2014年より開催してきた1日限りのアンデパンダン形式の展覧会です。作家は当日に作品の搬入、搬出を行います。
これまで多くの才能を発見してきたマントルの会場にFmを使っていただくことをとても嬉しく思うと同時に、マントルが様々なジャンルの新しい才能が集まる場となることを願っています。
※作品のご出品を検討している方へ
作品の搬入は14:00よりです。展示スペースに限りがあるため、ギャラリーに作品を搬入をした方より順番に設置作業をすすめていただき、展示スペースがなくなった時点で出品の締め切りとさせていただきます。

主催の佃弘樹からのコメントと基本理念

2014年の5月にギャラリーの倉庫を使わせてもらって開催してきたオルタナティブスペース「マントル」。
月一回のペースで開催していたんだけど、倉庫が作品で埋まってきて休止せざるを得なくなったのが去年の暮れ。
そこから一年、ようやく新しい場所で再開できることになりました。

「マントル」とは作家達が作品を持ち寄って、一夜限りの展示をし、語りながら酒を飲むという会です。
アンデパンダン展方式なので無審査の自由出品です。誰でも参加できます。
そして、参加作家達が来てくれたお客さんたちに酒を振る舞います。

作品が展示したい方は事前に連絡をしてもらい、何を展示するかを一緒に考えてもいいし、当日いきなり展示場所に作品を持ってきてもらっても大丈夫です。

そして、新しい場所ですが、恵比寿のギャラリー、Fm(エフマイナー)で開催させてもらえることになりました。
ここのギャラリストが友人なんですが、思いつきで、展示替えの時の一晩だけ毎月使わせてくれない?と頼んだら快諾してくれました。感謝!!搬入、搬出はその日のうちにお願いします。
出展者が多すぎた場合や作品形態が何人もかぶった場合(例えば映像を展示したい人が何人もかぶると機材が足りなくなってしまったりするので)は、やむなく次回に展示してもらう可能性もあります。
出展したい方で事前に連絡をもらえる方は、直接僕か、上記の連絡先に連絡ください。
それと、主催者側から作家に展示をお願いする場合もあるので、その際はよろしくお願いします。この作品はみんなに観てもらいたいな〜というものも交ぜていきたいので。

それでは最後に、「マントル」の基本理念を。


ベルリンで友人のアーティストのアトリエ見学に行ったときのこと
彼のアトリエは小さい工場跡を5、6人でシェアしている。一人一人の所有するスペースの広さもさることながら、大きなものを吊るすクレーンや木を切る電ノコなどもあって、そういう目的がある者からすればとても素晴らしい環境だ。場所はベルリン中央駅から徒歩で15分くらい。言い方が悪いと、東京でいうところの新宿から徒歩で15分で、こんなにも寂れた感じになるのか。。。周りには本当に何も無い。ただ、美術館やギャラリーはそこかしこに点在している。
「もう少ししたら友達がいっぱい来るよ」
その言葉どおり、夕方くらいからそのアトリエに人が集まりだす。その日は金曜日。
彼らのアトリエは週末にはオルタナティブスペースに様変わりする。
作品を展示したい者が勝手に展示し、酒を配り、音楽を聴き、その作品やアートについて集まった者と議論したり、ただの世間話をしたりする。
そこに集まるのはアーティスト、キュレーター、ギャラリスト、コレクター、ただの友達、通りすがりの人、近所の酒飲み。
なんて羨ましい環境なんだと思った。いつか絶対に東京でもこれをやろう。。。


作品を展示したい人、作品を観たい人、議論がしたい人、友達が欲しい人、酒が飲みたい人、そんな人が毎回10人も集まればいいと思っています。作品を鑑賞しながらの飲み会になればいい。そんな感じです。
作品の形態も問いません。平面、立体、写真、映像、音楽、パフォーマンス、歌や詩の朗読でも。アートに限らず何かを作っていて、とにかく発表したい人、人のリアクションが欲しい人、是非連絡ください。ギャラリーの垣根は無しの空間にしたいと思っています。
それと同時にこの人の作品はみんなに見せたい、そういう作品も織り交ぜて、展示を企画していきたいと思います。東京はアーティストにとって過酷な環境だけど、少しずつそれを良い環境に変えていく為に、そういう場所を作っていきたいと思います。

佃弘樹

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マントル #12 @Fm http://galleryfm.com/mantle12/

最高記念室 “FUTURE FOR FUTURE”Saiko Kinenshitsu “FUTURE FOR FUTURE”

最高記念室「FUTURE FOR FUTURE」

最高記念室メンバー
水野健一郎我喜屋位瑳務高松徳男足立拓人堀田知聖
会期:2015年10月17日(土)-11月28日(土)
時間:12:00-20:00
休廊:月、火、水曜日 ※会期中の祝日は通常営業
オープニングパーティー:2015年10月17日(土) 17:00-20:00
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿西1-33-3 光雲閣 #110
Tel070-6969-1412

Fmは、10月17日(土)より最高記念室「FUTURE FOR FUTURE」を開催します。

最高記念室は、水野健一郎の呼びかけにより、我喜屋位瑳務、高松徳男、足立拓人、堀田知聖(仮メンバー)とともに結成された美術グループです。美意識が拠り所を失いつつあるこの時代を、「美意識消滅の危機であると同時に、流行に左右されない純粋美意識に昇華するまたとない機会」と捉えるための「超現実肯定法」をご覧ください。

最高記念室「FUTURE FOR FUTURE」︎ステイトメント

美意識は往々にして流行に左右されます。流行の波はリニューアルを施されながらも幾度となく繰り返し訪れ、その周期は年々加速度的に短くなっています。しかも流行はひとつではありません。多種多様な流行の残像が幾重にも重なり合い、やがて美意識は拠り所を失います。それは美意識消滅の危機であると同時に、流行に左右されない純粋美意識に昇華するまたとない機会でもあります。目を瞑り、遥か遠い未来に思いを馳せてみましょう。そこはもはや地球ではなく、かといってどこか別の惑星というわけでもなく、ベンハムの独楽に浮かび上がる虹のように儚い世界が出現するでしょう。最高記念室という部屋はその世界に存在します。これは現実逃避でしょうか。いいえ、くにえだくん。これこそが僕らの超現実肯定法なのです。
(2015年8月/最高記念室 水野健一郎)

最高記念室

2011年 水野健一郎の呼びかけにより結成された西東京系美術ユニット。「西東京」には「西新宿」「関西」「西海岸」「西ドイツ」「西遊記」などのような強い西性はなく、どちらかというと「郊外」という言葉に近い意識下にある。スタイルや文脈にとらわれず個人的な美意識だけをたよりに制作した作品を持ち寄り、世代を超えてその最高感を分かち合うことを目的とする。2015年現在、メンバーは、水野健一郎、我喜屋位瑳務、高松徳男、足立拓人、堀田知聖(仮メンバー)。全員絵を描いていることから平面作品が中心となる。

〈展覧会歴〉
2013年 最高記念室によるエキジビション「最高記念室」(TOKYO CULTUART by BEAMS)

〈メンバー〉
水野健一郎(Kenichiro Mizuno)
http://kenichiromizuno.blogspot.jp/
1967年岐阜県生まれ。東京都在住。鳥取大学工学部社会開発システム工学科中退。セツ・モードセミナー卒業。既視感と未視感の狭間に存在する超時空感を求めて自身の原風景であるテレビアニメの世界観を脳内で再構築し、ドローイング、ペインティング、グラフィック、アニメーションなど、多様な手法でアウトプット。個展などの展示活動の他、ジャンルを超えたコラボレーションを精力的に行う。作品集『Funny Crash』(2009年)、『KATHY’s “New Dimension”』(2011年)をTOKYO CULTUART by BEAMSより刊行。2013年より美學校「絵と美と画と術」講師、東北芸術工科大学映像学科非常勤講師。
我喜屋位瑳務(Isamu Gakiya)
http://gakiyaisamu.com/
1974年沖縄県生まれ。東京都在住。子供の頃見たテレビ(アメリカチャンネルや本土の民放放送)やアメリカ占領下の名残など、雑多な文化から受けたインスピレーションを元にペイント、ドローイングやコラージュを雑多なスタイルで制作する。『1_WALL』展で初代グランプリ。2013年活動再開したGREAT3のヴィジュアル全般を担当。
高松徳男(Norio Takamatsu)
http://www.ascomnet.net/noriot/
1978年兵庫県生まれ。埼玉県在住。2001年インターメディウム研究所「IMI」写真コース修了。1999年『Young Japanese Photographers 10』参加。2004年第22回グラフィックアート『ひとつぼ展』入選。2009年第1回グラフィック『1_WALL』入選。2013年個展『1985年の ゲイラカイト』、THE blank GALLERY『POSSIBLY TALENTED Vol.5』参加、ターナーギャラリー『春のカド』出品。
足立拓人(Takuto Adachi)
http://ashidetatelu.org
1981年香川県生まれ。東京都在住。CD、Tシャツ、電子書籍などでイラスト、デザインを制作。フリージン制作集団『KNAKED』、絵本ユニット『MAMI』を立ち上げ幅広いジャンルで活動中。現在はアートユニット『最高記念室』に参加しTOKYO CULTUART by BEAMSにて展示『最高記念室』(2013)を開催。SUMMER SONIC 2014、2015にてライブペイントを作成。
堀田知聖 (Hotta Tomoaki)
http://hottatomoaki.com/
1990年新潟県生まれ。東京都在住。画家。 多摩美術大学美術学部絵画学科油画専攻入学後転学科、同大学グラフィックデザイン学科卒業。美学校講座「絵と美と画と術」6期生。賞罰なし。 2015年 No.12 Gallery 『もらいゲロ』 (2人展:堀田知聖/加古万貴)

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Fm 展覧会:最高記念室「FUTURE FOR FUTURE」 http://galleryfm.com/fff/

Saiko Kinenshitsu “FUTURE FOR FUTURE”

Members
Kenichiro MizunoIsamu GakiyaNorio TakamatsuTakuto AdachiTomoaki Hotta
Dates:2015.10.17(Sat)-2015.11.28(Sat)
Hours:12:00-20:00
Close on Mon, Tue, and Wed
Note:Open on holidays
Opening party:2015.10.17.(Sat) 17:00-20:00
Venue:Fm Ebisunishi 1-33-3, Kounkaku #110, Shibuyaku, Tokyo
Tel:+81-70-6969-1412

Fm will hold its exhibition, Saiko Kinenshitsu “FUTURE FOR FUTURE”, on Saturday, October 17th, 2015.

Saiko Kinenshitsu is an art unit of the members Kenichiro Mizuno called; Kenichiro Mizuno, Isamu Gakiya, Norio Takamatsu, Takuto Adachi, and Tomoaki Hotta (a provisional member). While aesthetic consciousness is losing the cornerstone in this era, Saiko Kinenshitsu says “it is a crisis of aesthetics, but at the same time, it is an unrepeatable opportunity to pursue and express pure aesthetics that are not influenced by fashion or trend”. In this exhibition, they will show “Surreal Positive Method” for the pure aesthetics.

Note: Japanese name is 最高記念室 [saɪ.koʊ.kɪˈnensɪtsu] meaning the “best memorial room”. The pronunciation is very similar to psychokinesis [saɪ.koʊ.kɪˈniː.sɪs].

“FUTURE FOR FUTURE” Statement

Aesthetics is influenced by fashion and trend in the often. Its wave visits countless times again, and subjected to a renewal. The period is getting shorter every year at an accelerated pace. Moreover, the fashion or trend is not a one. Afterimages of a wide variety of fashion and trend overlap among them over and over again. Eventually aesthetics will lose a cornerstone. It is simultaneously a crisis that aesthetics would extinct, and it is an unrepeatable opportunity to pursue and express pure aesthetics that are not influenced by fashion or trend.
Close your eyes. Imagine the far distant future. There is no longer the Earth, or somewhere another planet. There will be a fleeting world like a rainbow to emerge in Benham’s top. Saiko Kinenshits, the best memorial room, will exist in that world. Is this would be escapism? No, Kunieda-kun. This is what’s our “Surreal Positive Method”.
(Kenichiro Mizuno, Saiko Kinenshitsu, August 2015)

Saiko Kinenshitsu

In 2011, Saiko Kinenshitsu is formed by the call of Kenichiro Mizuno. They bring artworks that they create relying on only personal aesthetics that is not influenced by styles or contexts, and aim to share a sense of exaltation beyond generations. Initially, due to Mizuno’s selfishness, the condition to join the unit was West Tokyo resident poor at coping with life’s problems, although a west area is very wide. Mizuno might hope to establish “West Tokyo Style” as a common style of members, although it’s not known.

〈Past Exhibitions〉
2013 Saiko Kinensitsu “Saiko Kinensitsu’ (TOKYO CULTUART by BEAMS)

〈Members〉
Kenichiro Mizuno
http://kenichiromizuno.blogspot.jp/
Born in Gifu, Japan (1967)
Mizuno graduated from Setsu Mode Seminar. In the quest for romanticism found between déjà vu and jamais vu, he captures and reconstructs subconscious influences from TV animations, and creates artworks using various techniques of drawing, painting, graphic style, and animation. While participating in many exhibitions, he actively collaborates in performance and fashion design, etc. Some of his published works include Funny Crash (2009) and KATHY’s New Dimension (2011) through TOKYO CULTUART by BEAMS. From 2013, he has been a guest lecturer in Bigakko, and a part-time lecturer in the Film and Media Department at Tohoku University of Art and Design.
Isamu Gakiya
http://gakiyaisamu.com/

Norio Takamatsu
http://www.ascomnet.net/noriot/

Takuto Adachi
http://ashidetatelu.org

Tomoaki Hotta (a provisional member)
http://hottatomoaki.com/

寺本愛作品集申し込みページ


寺本愛作品集「PERMANENT CULTURES」
申し込みページ



AI TERAMOTO
PERMANENT CULTURES
A4/96ページ
掲載作品点数:88点
装丁:コデックス装、帯付き
2015年3月7日発行 限定200部
価格 ¥5,000-(税抜、送料別)
※配送希望の方は別途200円の配送料がかかります

昨年の個展「Our Eyes, Light Source」までの作品を中心にとりまとめた寺本愛作品集「PERMANENT CULTURES」が完成しました。

寺本とデザイナー松田洋和が、デザイン、印刷から製本(手製本)までを徹底的にこだわって、大切に作り上げた作品集です。

作品集は一部の都内書店でも取り扱いがございますが、数に限りがあります。
購入ご希望の方は以下のフォームでご申請ください。
ご申請を受け、在庫を確認の上、請求書を発行させて頂きます。
そして、銀行振込を確認後、作品集を発送します。

なお、直接取りに来られる場合は、ギャラリーにて取り置きします。
ご申請を受け、在庫を確認の上、取り置きしている旨をご連絡します。

ご好評につき当サイトでの取り扱いは終了しました。


© Ai Teramoto   



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Fm:寺本愛作品集「PERMANENT CULTURES」申し込みページ http://galleryfm.com/collection_teramoto/

因藤壽 個展「Lifework / Matière」Lifework / Matière: Hisashi INDO – a Solo Exhibition

因藤壽 個展「Lifework / Matière」

会期:2015年4月18日(土)~5月17日(日)
休廊:月曜、火曜、水曜
ただし、会期中の祝日(4月29日、5月4日~5月6日)は通常営業
時間:12:00~19:00
オープニングパーティ:2015年4月18日(土) 17:00~19:00
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿南1-14-12 ルソレイユ3 303
Tel070-6969-1412
協力:gallery a-cube、東京画廊+BTAP

Fmは因藤壽(いんどうひさし)個展「Lifework / Matière」を開催致します。
Fmは昨年9月のオープニング展以来、新進気鋭作家と、既に一定の評価を得ているものの、現在において改めて重要な価値を帯びる作家の展覧会を交互に開催してきました。今回は独学で絵画を学び、独自のモノクローム絵画を制作した因藤壽(1925-2009)の60年代に制作された作品を展示します。
また、本展覧会は、現在Fmが入居する建物の建て壊しに伴う移転前の最後の展覧会となります。

因藤壽は1925年に北海道に生まれ、工業高校電気科を卒業した後に北海道大学の超短波研究所に勤務し、終戦を迎えて復員した後に独学で絵画の制作を始め、画家としての道を歩み始めます。
中学校の教員として働く傍ら作品を精力的に制作を続けた因藤は、多くの展覧会に出品を続けました。二科展に入選後は、吉原治良や山口長男が発起人となり、斉藤義重、桂ゆきらが所属した前衛絵画を研究する二科九室会に所属しました。また、無審査で作品を出品することができ、後の前衛美術の動向に大きな影響を与えた読売アンデパンダン展にも出品を続け、アンフォルメル運動を推進するミッシェル・タピエに高い評価を受けました。
作家として独立した後も国内外で多くの展覧会に参加し、2009年に死去するまで、独自の絵画制作を追求し続けました。

学生時代と超音波研究所にて勤務していた時代とを通じて科学に携わり続けてきた因藤ですが、自身の作品について、「人間を、世界を、その存在を見つめるものでなければならず(後略)」と初個展のパンフレットに記しているように、自らが追う人間の存在や世界の奥行きについての認識を深め、表現するために絵画の制作を始めました。

因藤の作風は制作を続けるとともに変化していきますが、大きく分けて三つに区分することができます。1940年代後半より、戦後の復興と共に訪れた急激な社会変化に置かれた人間の姿を強い色彩とシュールレアリズム風な構成を用いて描いた「ネオレアリスム」の時代、1956年より始まる、自分自身と人間の存在についての深い考察に基づいて制作されるミニマルペインティングの時代、1970年代に入って始まる、人間の精神世界と情念との考察をさらに深く掘り進めて制作され、祈りにも似たシリーズ作品を制作する、内面的モノクロームの時代です。いずれの時代にも一貫しているのは、人間の内面、ひいては人間そのものに関しての考察です。戦中から戦後、高度経済成長の時代を経て、絶えることのない経済成長と社会発展の滞りとそれらに対しての疑問が露呈する現代を通して、因藤は時代が進化しても変化をしない人間の本質的な部分を見つめ続け、表現してきたと言えます。

今回の展示では、1960年代に制作された因藤のミニマルペインティングの時代に焦点をあて、キャンバスの作品とドローイングの作品を展示します。
絵具を幾層にも塗り重ねることで密度を増した深いモノクロームの色彩と、筆やローラーを用いて数年に渡って塗り重ねられたことで表面に残る微小でありながら力強い”痕跡”に、制作する行為そのものが生を検証することであった因藤の姿を感じることができます。

作家紹介

因藤 寿 / Hisashi INDO(1925-2009)
北海道稚内市生まれ。
苫小牧工業学校を卒業後、北海道大学超短波研究所に勤務する傍ら1947年頃より独学で作品の制作を始める。鮮やかな色彩を使った「ネオリアリズム」の時代から、1956年以降はモノクロームによる表現を展開する。二科展九室会に所属し、二科展への出品や読売アンデパンダン展など数多くの展覧会に出品。ミッシェル・タピエに高い評価を受ける。
1963年埼玉県大宮に移った後は個展を中心に精力的に制作発表を行なう。
2002年北海道立旭川美術館で回顧展「因藤壽展」が開催された。

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因藤壽 個展「Lifework / Matière」@Fm http://galleryfm.com/lifework-matiere/

Lifework / Matière: Hisashi INDO – a Solo Exhibition

Dates: 4/18/2015 Sat – 5/17/2015 Sun
Closed on Mon, Tue and Wed
Note: Open on holidays, 4/29 & 5/4 – 5/6
Hours:12:00~19:00
Opening reception:4/18/2015 Sat 17:00~19:00
Venue:Fm Ebisu-minami 1-14-12 Le Soleil3 Suite 303, Shibuya-ku, Tokyo
Tel:+81-70-6969-1412
Cooperation:gallery a-cube, Tokyo Gallery+BTAP

Since opening in September 2014, Fm has alternated exhibitions that showcase up-and-coming artists with those of established artists who continue to deliver new value through their work. Lifework/Matière is a solo exhibition of the works of Indo Hisashi (1925-2009), a self-taught painter who created unique monochrome works. Lifework/Matière will be the last exhibition at Fm’s current premises before our relocation to new premises due to the demolition of our existing building.

Born in 1925 in Hokkaido, Indo Hisashi graduated from the electrical faculty of a technical high school before working at Hokkaido University’s Ultrashort Wave Research Institute. Upon his return to civilian life after the war Indo taught himself to paint. After his works were selected for an exhibition of the Nika Association of Artists, Indo joined the Kyushitsu-Kai, a group (within Nika) set up by Jiro Yoshihara and Takeo Yamaguchi whose members included Yoshishige Saito and Yuki Katsura. Several of Indo’s works were also shown at the Yomiuri Independent exhibition, which allowed works to be exhibited unexamined and would have a significant influence on the avant-garde movement in years to come, as well as being highly praised by Michel Tapié, a proponent of art informel.

After becoming independent, Indo continued to participate in many exhibitions both within in Japan and overseas, and went on to produce many unique paintings until his death in 2009.

While Indo had a long involvement with science during his time at the ultrashortwave institute, over the course of his artistic career he furthered his understanding of the human existence and the depth of the universe, which were his passion, as we can know his attitude from the following comment by Indo appearing in the pamphlet for his first solo exhibition:
“We must contemplate our human existence and this world …”

Indo’s style evolved over the course of his career, which can be split into three main periods: his neorealist period which began in the second half of the 1940s during which he depicted with strong colours and surrealist compositions people in the midst of the rapid social change that took place as Japan rebuilt after the war; his minimal painting period which began in 1956 and featured works based on Indo’s profound observations of himself and the human existence; and Indo’s inward-looking monochrome period, which began in the 1970s and involved an even deeper analysis of his observations of the world of the human psyche and pathos, in which he produced works not unlike prayers.

One constant element of all Indo’s works is the artist’s observations regarding what lies inside of people and the very essence of human existence. Throughout his career, which spanned from the war to the post-war period and the subsequent era of rapid economic growth, and dealt with incessant economic growth and the social development, and the modern age in which this process is being questioned, Indo remained focused on depicting the quintessential part of the human spirit that stays constant despite changing times.

This latest exhibition, featuring Indo’s canvases and drawings, focuses on the artist’s minimal painting period of the 1960s. In the intense, deep monochromatic hues achieved by depositing layer upon layer of paint and the delicate yet powerful marks made by not only brushes but also rollers and painting knives, the viewer is able to feel the influence of Indo, for whom the very act of creating was a study of what it means to be alive.

Artist Introduction

Hisashi INDO(1925-2009)
Indo Hisashi was born in Hokkaido and after graduating Tomakomai Technical High School he began working at the Hokkaido University Ultrashort Wave Research Institute. It was around 1947 that, while still working, he also began teaching himself how to paint. Indo’s creative career began with his Neorealist phase, characterized by bright colours, after which the artist switched to monochromatic expression in 1956, subsequently joining the Kyushitsu-Kai within the Nika Association of Artists, exhibiting many works in Nika exhibitions and the Yomiuri Independent exhibition, among others, and being highly praised by Michel Tapié. After moving to Omiya, Saitama, in 1963, Indo continued to actively exhibit works, mostly in solo exhibitions. A retrospective exhibition of Indo’s work, the “Indo Retrospective” was exhibited in the Asahikawa Museum of Art in 2002.


マントル #10

マントル #10

会期:2015年3月14日(土)
時間:17:00~22:00
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿南1-14-12 ルソレイユ3 303
Tel070-6969-1412
※出展作家は15時から搬入、展示

「マントル」は、作家の佃弘樹が2014年より開催してきた、1日限りのアンデパンダン形式の展覧会です。ギャラリーやキュレーターの審査はなく誰でも作品を出品できます。2015年1月、2月に続いて、Fmでは3回目となるマントルが3月14日に開催されます。

このページを見ているあなたも、部屋の片隅で絵を描き続けているあなたの友人も、どなたでもこの展覧会に出品することができます。そしてもちろんどなたでもマントルの展示を見ることができます。

これまで多くの才能を発見してきたマントルの会場にFmを使っていただくことをとても嬉しく思うと同時に、マントルが様々なジャンルの新しい才能が集まる場となることを願っています。

また、マントルは今後、Fmの展示の合間の1日を使って定期的に行う予定です。今回のマントルに参加できない方も、次回以降に是非ご参加ください。
皆様のお越しをお待ちしています。

※作品のご出品を検討している方へ
作品の搬入は15:00よりです。展示スペースに限りがあるため、ギャラリーに作品を搬入をした方より順番に設置作業をすすめていただき、展示スペースがなくなった時点で出品の締め切りとさせていただきます。

主催の佃弘樹からのコメントと基本理念

去年の5月にギャラリーの倉庫を使わせてもらって開催してきたオルタナティブスペース「マントル」。
月一回のペースで開催していたんだけど、倉庫が作品で埋まってきて休止せざるを得なくなったのが去年の暮れ。
そこから一年、ようやく新しい場所で再開できることになりました。

「マントル」とは作家達が作品を持ち寄って、一夜限りの展示をし、語りながら酒を飲むという会です。
アンデパンダン展方式なので無審査の自由出品です。誰でも参加できます。
そして、参加作家達が来てくれたお客さんたちに酒を振る舞います。

作品が展示したい方は事前に連絡をしてもらい、何を展示するかを一緒に考えてもいいし、当日いきなり展示場所に作品を持ってきてもらっても大丈夫です。

そして、新しい場所ですが、恵比寿のギャラリー、Fm(エフマイナー)で開催させてもらえることになりました。
ここのギャラリストが友人なんですが、思いつきで、展示替えの時の一晩だけ毎月使わせてくれない?と頼んだら快諾してくれました。感謝!!

というわけで、来年早々ですが、1月11日の日曜日(次の日祝日)に開催します。

出展作家は15時から搬入、展示を行います。搬出はその日のうちにお願いします。
出展者が多すぎた場合や作品形態が何人もかぶった場合(例えば映像を展示したい人が何人もかぶると機材が足りなくなってしまったりするので)は、やむなく次回に展示してもらう可能性もあります。
出展したい方で事前に連絡をもらえる方は、直接僕か、上記の連絡先に連絡ください。
それと、主催者側から作家に展示をお願いする場合もあるので、その際はよろしくお願いします。この作品はみんなに観てもらいたいな〜というものも交ぜていきたいので。

それでは最後に、「マントル」の基本理念を。


ベルリンで友人のアーティストのアトリエ見学に行ったときのこと
彼のアトリエは小さい工場跡を5、6人でシェアしている。一人一人の所有するスペースの広さもさることながら、大きなものを吊るすクレーンや木を切る電ノコなどもあって、そういう目的がある者からすればとても素晴らしい環境だ。場所はベルリン中央駅から徒歩で15分くらい。言い方が悪いと、東京でいうところの新宿から徒歩で15分で、こんなにも寂れた感じになるのか。。。周りには本当に何も無い。ただ、美術館やギャラリーはそこかしこに点在している。
「もう少ししたら友達がいっぱい来るよ」
その言葉どおり、夕方くらいからそのアトリエに人が集まりだす。その日は金曜日。
彼らのアトリエは週末にはオルタナティブスペースに様変わりする。
作品を展示したい者が勝手に展示し、酒を配り、音楽を聴き、その作品やアートについて集まった者と議論したり、ただの世間話をしたりする。
そこに集まるのはアーティスト、キュレーター、ギャラリスト、コレクター、ただの友達、通りすがりの人、近所の酒飲み。
なんて羨ましい環境なんだと思った。いつか絶対に東京でもこれをやろう。。。


作品を展示したい人、作品を観たい人、議論がしたい人、友達が欲しい人、酒が飲みたい人、そんな人が毎回10人も集まればいいと思っています。作品を鑑賞しながらの飲み会になればいい。そんな感じです。
作品の形態も問いません。平面、立体、写真、映像、音楽、パフォーマンス、歌や詩の朗読でも。アートに限らず何かを作っていて、とにかく発表したい人、人のリアクションが欲しい人、是非連絡ください。ギャラリーの垣根は無しの空間にしたいと思っています。
それと同時にこの人の作品はみんなに見せたい、そういう作品も織り交ぜて、展示を企画していきたいと思います。東京はアーティストにとって過酷な環境だけど、少しずつそれを良い環境に変えていく為に、そういう場所を作っていきたいと思います。

佃弘樹

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マントル #10 @Fm http://galleryfm.com/mantle10/

マントル #9

マントル #9

会期:2015年2月14日(土)
時間:17:00~22:00
会場:Fm 東京都渋谷区恵比寿南1-14-12 ルソレイユ3 303
Tel070-6969-1412
※出展作家は15時から搬入、展示

「マントル」は、作家の佃弘樹が2014年より開催してきた、1日限りのアンデパンダン形式の展覧会です。ギャラリーやキュレーターの審査はなく誰でも作品を出品できます。2015年1月に続いて、Fmでは2回目となるマントルが2月14日に開催されます。

このページを見ているあなたも、部屋の片隅で絵を描き続けているあなたの友人も、どなたでもこの展覧会に出品することができます。そしてもちろんどなたでもマントルの展示を見ることができます。

これまで多くの才能を発見してきたマントルの会場にFmを使っていただくことをとても嬉しく思うと同時に、マントルが様々なジャンルの新しい才能が集まる場となることを願っています。

また、マントルは今後、Fmの展示の合間の1日を使って定期的に行う予定です。今回のマントルに参加できない方も、次回以降に是非ご参加ください。
皆様のお越しをお待ちしています。

主催の佃弘樹からのコメントと基本理念

去年の5月にギャラリーの倉庫を使わせてもらって開催してきたオルタナティブスペース「マントル」。
月一回のペースで開催していたんだけど、倉庫が作品で埋まってきて休止せざるを得なくなったのが去年の暮れ。
そこから一年、ようやく新しい場所で再開できることになりました。

「マントル」とは作家達が作品を持ち寄って、一夜限りの展示をし、語りながら酒を飲むという会です。
アンデパンダン展方式なので無審査の自由出品です。誰でも参加できます。
そして、参加作家達が来てくれたお客さんたちに酒を振る舞います。

作品が展示したい方は事前に連絡をしてもらい、何を展示するかを一緒に考えてもいいし、当日いきなり展示場所に作品を持ってきてもらっても大丈夫です。

そして、新しい場所ですが、恵比寿のギャラリー、Fm(エフマイナー)で開催させてもらえることになりました。
ここのギャラリストが友人なんですが、思いつきで、展示替えの時の一晩だけ毎月使わせてくれない?と頼んだら快諾してくれました。感謝!!

というわけで、来年早々ですが、1月11日の日曜日(次の日祝日)に開催します。

出展作家は15時から搬入、展示を行います。搬出はその日のうちにお願いします。
出展者が多すぎた場合や作品形態が何人もかぶった場合(例えば映像を展示したい人が何人もかぶると機材が足りなくなってしまったりするので)は、やむなく次回に展示してもらう可能性もあります。
出展したい方で事前に連絡をもらえる方は、直接僕か、上記の連絡先に連絡ください。
それと、主催者側から作家に展示をお願いする場合もあるので、その際はよろしくお願いします。この作品はみんなに観てもらいたいな〜というものも交ぜていきたいので。

それでは最後に、「マントル」の基本理念を。


ベルリンで友人のアーティストのアトリエ見学に行ったときのこと
彼のアトリエは小さい工場跡を5、6人でシェアしている。一人一人の所有するスペースの広さもさることながら、大きなものを吊るすクレーンや木を切る電ノコなどもあって、そういう目的がある者からすればとても素晴らしい環境だ。場所はベルリン中央駅から徒歩で15分くらい。言い方が悪いと、東京でいうところの新宿から徒歩で15分で、こんなにも寂れた感じになるのか。。。周りには本当に何も無い。ただ、美術館やギャラリーはそこかしこに点在している。
「もう少ししたら友達がいっぱい来るよ」
その言葉どおり、夕方くらいからそのアトリエに人が集まりだす。その日は金曜日。
彼らのアトリエは週末にはオルタナティブスペースに様変わりする。
作品を展示したい者が勝手に展示し、酒を配り、音楽を聴き、その作品やアートについて集まった者と議論したり、ただの世間話をしたりする。
そこに集まるのはアーティスト、キュレーター、ギャラリスト、コレクター、ただの友達、通りすがりの人、近所の酒飲み。
なんて羨ましい環境なんだと思った。いつか絶対に東京でもこれをやろう。。。


作品を展示したい人、作品を観たい人、議論がしたい人、友達が欲しい人、酒が飲みたい人、そんな人が毎回10人も集まればいいと思っています。作品を鑑賞しながらの飲み会になればいい。そんな感じです。
作品の形態も問いません。平面、立体、写真、映像、音楽、パフォーマンス、歌や詩の朗読でも。アートに限らず何かを作っていて、とにかく発表したい人、人のリアクションが欲しい人、是非連絡ください。ギャラリーの垣根は無しの空間にしたいと思っています。
それと同時にこの人の作品はみんなに見せたい、そういう作品も織り交ぜて、展示を企画していきたいと思います。東京はアーティストにとって過酷な環境だけど、少しずつそれを良い環境に変えていく為に、そういう場所を作っていきたいと思います。

佃弘樹

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展覧会:マントル #9 @Fm http://galleryfm.com/mantle/